¿El peso o la levedad?

Si alguien busca algo que leer y este extracto le resulta interesante, lean La insoportable levedad del ser de Milan Kundera. Quien por cierto, no considero que haga “literatura light”, como alguna vez dijo Mario Vargas Llosa. El extracto :

Si cada uno de los instantes de nuestra vida se va a repetir infinitas veces, estamos clavados a la eternidad como Jesucristo a la cruz.
La imagen es terrible. En el mundo del eterno retorno descansa sobre cada gesto el peso de una insoportable responsabilidad.
Ese es el motivo por el cual Nietzsche llamó a la idea
del eterno retorno la carga más pesada (das schwerste Gewicht).

Pero si el eterno retorno es la carga más pesada, entonces nuestras vidas pueden aparecer, sobre ese telón de fondo, en toda su maravillosa levedad.

¿Pero es de verdad terrible el peso y maravillosa la levedad?
La carga más pesada nos destroza, somos derribados por ella, nos aplasta contra la tierra.

Pero en la poesía amatoria de todas las épocas la mujer desea cargar con el peso del cuerpo del hombre.
La carga más pesada es por lo tanto, a la vez, la imagen de la más intensa plenitud de la vida.
Cuanto más pesada sea la carga, más a ras de tierra estará nuestra vida, más real y verdadera será.

Por el contrario, la ausencia absoluta de carga hace que el hombre se vuelva más ligero que el aire, vuele hacia lo alto, se distancie de la tierra, de su ser terreno, que sea real sólo a medias y sus movimientos sean tan libres como insignificantes.

Entonces, ¿qué hemos de elegir? ¿El peso o la levedad?

El vuelo de la Reina

Ayer terminé de leer este libro. Digamos que no es extremadamente sorprendente ni Tomás Eloy Martínez es un Cortázar, pero tiene un algo que te atrapa y una historia realmente interesante. Aquí una reseña:

El vuelo de la reina es una novela irresistible sobre la fuerza que nace de la cara oscura del deseo. Entre Camargo, el poderoso director del principal diario de Buenos Aires, y Reina Remis, una joven periodista a la que dobla la edad, surge una pasión que los conduce a un peligroso juego de obsesiones. La intriga y el suspense erótico pueblan esta historia de dominaciones, corrupción e instrumentos de poder, hasta dibujar un final imprevisible, consecuencia última de la ambición desmedida y del presente y el pasado del protagonista. (Fuente: Lecturalia.com)

Una Amelie para todos

Originalmente llamada “Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain”, es una película dirigida por Jean Pierre Jeunet y protagonizada por Audrey Tautou. Trata de la historia de una chica introvertida, muy imaginativa y absolutamente no convencional, que siempre ve el lado positivo de las situaciones que atraviesa, que disfruta los pequeños e insignificantes detalles de la vida y, sobre todo, que le fascina ayudar y hacer feliz a la gente que tiene a su alrededor. Ella, que ha elegido vivir sola debido a su manera de ser (algo extraña), va descubriendo con satisfacción la influencia positiva que puede tener en otras personas, así se va acercando tímidamente al mundo exterior, lo que eventualmente la hace pensar en la olvidada posibilidad de un romance.

La película está llena de escenas cálidas, interesantes y no convencionales. Una de ellas es cuando Amelie se encuentra en el baño y anuncian por la televisión la muerte de Ladi Di. Comienza con un plano entero con ángulo horizontal de cámara al televisor de la sala de la casa de Amelie, seguido de un plano medio a ella mirándose al espejo y poniéndose colonia en el cuello, también con ángulo de cámara horizontal. Estas dos escenas son con cámara fija. Luego, se hace un zoom que lleva a un primer plano a la cara de Amelie, que está muy sorprendida con la noticia (el zoom es algo violento, lo que hace que el efecto de sorpresa que genera la noticia en Amelie sea más efectivo y creíble para el espectador). Luego, se hace un plano entero de la sala de Amelie, donde se ve el televisor a lo lejos mostrando la noticia, se va haciendo un suave travelling de acercamiento, como para dar la idea de que Amelie está pensando lo que está escuchando y viendo en el televisor (se está “adentrando” en la noticia), todo esto está en ángulo horizontal de cámara. Posteriormente, se hace un primer plano a la cara de sorpresa de Amelie, y luego un primer plano a sus pies con ángulo de cámara picado, para mostrar cuando la tapa de su colonia cae al suelo por la sorpresa de Amelie con la noticia. Seguido de eso, se muestra un plano entero con ángulo de cámara horizontal (enfocado desde el suelo), para ver cómo la tapa va rodando por el suelo y choca con una parte de la pared. Luego, se hace un travelling de seguimiento a Amelie (quien estaba fuera del baño, pero se percata de la tapa de su colonia, entonces va entrando lentamente al baño mientras sigue viendo la televisión), se hace un pequeño tilt down cuando Amelie se agacha, y se muestra un plano entero de ella agachada, recogiendo la tapa de su colonia, todo esto con ángulo horizontal de cámara. Luego, se hacen primeros planos a la mano de Amelie recogiendo la tapa y percatándose de una losa salida en el baño, lo que la lleva a introducir su mano y encontrar una cajita de metal que alguien habría guardado ahí hace muchos años. Seguido de eso, se muestra un primer plano de Amelie observando la cajita de metal (el primer plano en esta parte de la narración es bastante efectivo, porque las expresiones de dulzura que tiene Amelie en esta escena son muy importantes de resaltar). En esta parte de la narración, acompaña al film una dulce melodía que expresa la ternura que siente Amelie de encontrar esta cajita que contiene recuerdos de un niño. Se hace un plano subjetivo a la cajita desde la perspectiva de Amelie y luego un primer plano de ella observando la cajita con una gran sonrisa en el rostro (el plano subjetivo ayuda a que al espectador le dé la impresión cómo ve Amelie la cajita y qué siente cuando la ve). Seguido, se presenta a Amelie echada en su cama, luego de este hallazgo en un plano americano con encuadre de cámara aberrante (que ayuda a dar la sensación de que Amelie está pensando mucho y sus ideas quizás estén desordenadas o no muy estables) y ángulo de cámara cenital, la cámara se va acercando a ella con un travelling de acercamiento circular, hasta llegar a un primer plano. En esta última parte, el plano cenital y el travelling de acercamiento circular, hacen que el espectador sienta que se está adentrando en los pensamientos de Amelie e incluso a su mente. Toda la iluminación en esta parte de la narración, está en clave alta.

Otra escena curiosa es cuando Amelie se encuentra en el café “Dos Molinos”, en el que trabaja, y entra Nino, el chico del que ella está enamorada. Comienza con Nino entrando al café en un plano entero en el que se muestra a Amelie en el mostrador con ángulo de cámara horizontal y fija. Seguido de un primer plano al rostro de Amelie (para mostrar su impresión de emoción al ver a Nino). Luego se presenta a Nino en un plano medio con ángulo de cámara horizontal y luego se hace un travelling de acercamiento luego de que se muestre en un plano entero a una mujer entrando al café. Este travelling sirve para mostrar al espectador cómo se siente Nino porque cree que es la chica a la que espera. Seguido de ello, se presenta a Amelie detrás de Nino (que está sentado en un asiento), en un plano medio con ángulo de cámara horizontal. Se hacen primeros planos de Amelie escribiendo en la luna el menú del día. Luego de que Amelie adivinará qué es lo que va a hacer Nino, se hacen dos planos detalles: uno a la cuchara y otro al dedo de Nino cogiendo el azúcar. Éstos planos detalles sirven para que el espectador note claramente éstos pequeños detalles que podrían parecer insignificantes o poco importantes; y en fin, de eso también está llena la película: de pequeños detalles de la vida y del quehacer de las personas, que podrían parecer tontos, pero que el director los presenta de una manera mágica y especial, como si fuesen muy importantes, y, en el fondo, yo creo que lo son. Luego de ello, se muestra en un plano medio y ángulo de cámara picado con cámara fija, la conversación que sostiene Nino con Amelie con una luna de por medio. Luego, Nino se va al no encontrar respuestas, se muestra a Amelie muy triste en un primer plano con ángulo de cámara horizontal. En esta parte de la narración, se utiliza un elemento “mágico” que ya ha utilizado el director en partes anteriores del film. Se muestra como Amelie se vuelve agua por la tristeza con un tilt down violento hasta el piso y acaba en un primer plano al suelo lleno de agua (que representa a Amelie destrozada) con un ángulo de cámara picado. Este elemento “mágico”, aporta ese carácter algo ficticio, algo dulce, algo interesante y distinto que tiene en sí toda la película. Toda la iluminación en esta parte de la narración está en clave alta.

Amelie creo que por donde se le vea, es una buena película. Primero, porque el director, a mi parecer, cumple con todos sus objetivos valiéndose de los recursos audiovisuales: logra representar ternura, sorpresa, magia, detalles, alegría, tristeza, etc. El estilo visual del film es bastante especial, digamos que es una película cálida y “mágica”. Abundan los colores cálidos, en especial, el rojo y el verde; sin embargo, es curioso porque se presentan algunas escenas de la película en blanco y negro (los momentos de la imaginación de Amelie, momentos del pasado, etc). Casi toda la iluminación está en clave alta. Jeunet logra con maestría reproducir ese mundo que ronda entre lo ficticio y mágico con lo real que sale de la mente de Amelie, de su vida y también de los otros personajes de la película. Trabaja con un genial y creativo guión lleno de personajes extravagantes que realmente representan su papel con suma eficacia y credibilidad. La fotografía (muy cuidadosamente trabajada), el estilo visual, la música y la actuación de los personajes hacen que la historia resulte totalmente creíble y que al espectador no se le ocurra ponerla en un contexto o darle una interpretación “más realista” ni cuestionar su veracidad. Cada movimiento de cámara, plano, diálogo y musicalización están utilizados para servir al guión y resaltar las emociones de los personajes. Jeunet utiliza mucho el travelling de seguimiento y acercamiento a los personajes, lo que invita al espectador a meterse en su mundo interior, a establecer un vínculo con ellos, a que se vuelvan entrañables, y eso, en una película como Amelie, es bastante efectivo. El soundtrack que se utiliza es mayormente instrumental lo que ayuda a introducir al espectador en esa atmósfera mágica y fantástica que intenta representar Jeunet ya que es suave, dulce y armoniosa. Si bien no tiene un guión de trama profunda psicológica y compleja, Amelie logra ser una película con emociones reales y que representa en sí, la vida misma con sus alegrías, tristezas y detalles. Amelie es una de mis películas favoritas, la considero altamente recomendable para un público amplio y puede sonar cliché y cursi, pero es una de esas películas “para sentirse bien” y para reconciliarse con la vida cotidiana y sus pequeños detalles. La he visto cuatro veces y nunca me canso.

DH

Informe periodístico sobre “LETRA”

“LETRA” EN MADRID: ENCUENTRO DE CREADORES

Elogio y dinamismo a la cultura peruana

DEL 1 AL 4 DE SETIEMBRE SE LLEVÓ A CABO EN EL BARRIO DE LAS LETRAS DE MADRID, LA TERCERA EDICIÓN DE “LETRA”, ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CREADORES. PERÚ FUE EL PAÍS INVITADO Y HOMENAJEADO
*Diana Hidalgo

Durante cuatro días, el barrio de las Letras de Madrid, lugar donde antaño vivieron los principales escritores del siglo de Oro como Lope de Vega, Cervantes o Góngora, se convirtió en el escenario idóneo para que la cultura peruana se luzca, brille y sea la protagonista. Los más de nueve mil kilómetros que separan a Lima De Madrid, resultaron invisibles cuando comenzó el diálogo entre la cultura peruana y la española. Creadores, intelectuales y periodistas del Perú fueron invitados de honor e intercambiaron sus puntos de vista en los diferentes conversatorios que tuvieron lugar en “Letra”. Se habló de literatura, cine, música, periodismo y poesía, a manera de un merecido homenaje a la cultura peruana y a sus principales exponentes. Todas las actividades del evento fueron de acceso gratuito.

Pero, “Letra”, no es una actividad aislada en donde se toma interés por promover y admirar a la cultura peruana. El panorama cultural en el Perú, en los últimos años, ha ido tomando protagonismo y dinamizándose. Este año, el Ministerio de Comercio Exterior y Turismo (MINCETUR) e inversionistas privados, aportaron nueve millones de soles para la remodelación del Museo de arte de Lima (MALI), con el objetivo de promover las manifestaciones artísticas y culturales peruanas. Según Cecilia Pardo, curadora de arte del MALI, desde su reapertura, el museo ha batido el récord en visitas: más de setenta mil hasta el momento.

El cine peruano está siendo reconocido mundialmente, gracias a la cineasta Claudia Llosa, con la nominación al mayor premio de cine mundial (El Óscar) y el máximo premio en el festival de cine de Berlín (el oso de Berlín), con su segunda película “La teta asustada”. Recientemente, Javier Fuentes-León, otro cineasta peruano, obtuvo veintidós premios internacionales con su película “Contracorriente”, además, CONACINE (Consejo Nacional de Cinematografía), la ha seleccionado como la representante peruana para participar en la próxima edición de los premios Oscar 2011.

Finalmente, mientras en Madrid se daba por terminada con mucho éxito y acogida la tercera edición de “Letra”, en Lima, en el salón Dorado de Palacio de Gobierno y con las palabras alentadoras del presidente García “Tiene usted el privilegio de ser el primer ministro de Cultura juramentando en el Perú, privilegio que envidio”, Juan Ossio, filósofo y antropólogo, juramentaba como ministro de Cultura, con lo cual se consolidaba la creación del Ministerio de Cultura en el Perú. Según la ley Ley Nº 29565 por el cual se creó, su principal función es la de ser rector del sector cultural, con la función de diseñar, establecer, ejecutar y supervisar la política nacional y del sectorial cultural.

ANTECEDENTES DE LETRA Y PRIMERAS EDICIONES

“Letra” nace en el 2009, por la iniciativa de la Fundación Temas de Arte. Esta fundación lleva once años ininterrumpidos llevando a cabo importantes proyectos de trasfondo social, cultural y artístico en la ciudad de Madrid. Según Beltrán Gambier, director artístico de “Letra” y una de las principales figuras en este evento, “Letra” se creó principalmente para dinamizar culturalmente el Barrio de las Letras de Madrid y servir de punto de encuentro a creadores del ámbito nacional e internacional.

La primera edición de este encuentro de creadores se llevó a cabo en julio del 2009 y tuvo a Buenos Aires como la ciudad invitada. Contó con el apoyo y colaboración de la Municipalidad de Madrid, La Comunidad de Madrid y la Municipalidad de Buenos Aires. Según el documento oficial de la Fundación Temas de Arte “Memoria de actividades 2000-2009”, logró un alto impacto mediático y promovió considerablemente el turismo en la capital española. Además, se tuvo especialmente en cuenta la participación de jóvenes y la promoción de la lectura. Participaron en el encuentro: Juan José Campanella, Eliseo Subiela, Abel Posse, Rafael Spregelburd, Alicia de Arteaga y Álvaro Abós, quienes fueron recibidos por prestigiosos pares madrileños.

La segunda edición, se llevó a cabo en noviembre del 2009 en Buenos Aires y tuvo como ciudad invitada a Madrid. Contó con el apoyo de la fundación YPF y de Air Europa. Según el documento oficial de la Fundación Temas de Arte “Memoria de actividades 2000-2009”, se inauguró en el Salón dorado de la casa de la literatura de Buenos Aires con el discurso de Hernán Lombardi, ministro de cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y; Víctor del Campo y Beltrán Gambier, directores del festival. Participaron en el encuentro: la escritora Soledad Puértolas, el cineasta Imanol Uribe, el director del suplemento cultural del diario ABC, Fernando Rodríguez Lafuente, la galerista Oliva Arauna y el periodista especializado en teatro, Rafael Esteban, Martín Caparrós, Sergio Renán, Javier Daulte, Ernesto Schoo, Lucrecia Martel, entre otros.

LO QUE HUBO EN LETRA: RADIOGRAFÍA DE LETRA 2010 Y SUS ACTIVIDADES

“Letra” 2010 se llevó a cabo con el patrocinio de Telefónica, Air Europa, Hotel Me, Comunidad de Madrid, Municipalidad de Madrid y la Embajada de Perú en España. Unos de los principales y más homenajeados invitados al encuentro fueron Mario Vargas Llosa y Fernando de Szyszlo, quienes se encargaron de inaugurar el evento. También se contó con la presencia de importantes creadores e inteelctuales como: Santiago Roncagliolo, Claudia Llosa, Martín Rodríguez-Gaona, Javier Echecopar, Yolanda Vaccaro, Fernando Iwasaki, Jessica Zorogastua, entre otros, Las actividades que se realizaron:

• El miércoles 1, en el Cine Doré, se proyectó la película de Mario Vargas Llosa “La fiesta del Chivo”.

• El jueves 2, se llevó a cabo uno de los principales y más concurridos eventos del encuentro: la inauguración. Se realizó en el Ateneo de Madrid y consistió en un coloquio a cargo de Mario Margas Llosa y Fernando de Szyszlo. Hablaron de literatura, de indigenismo y de sus vivencias personales como creadores e intelectuales.

• El viernes 3 hubieron tres importantes eventos: En la Casa Museo Lope de Vega, se llevó a cabo un encuentro sobre periodismo cultural con la participación de Yolanda Vaccaro y Fernando Olmeda. En el Ateneo de Madrid, mesa redonda sobre arte con la participación de Fernando de Szyszlo, Víctor del Campo y Beltrán Gambier. En el teatro Kapital, se proyectaron frases de los escritores peruanos Mario Vargas Llosa, Fernando Iwasaki, Jorge Eduardo Benavides, Santiago Roncagliolo y poemas de César Vallejo.

• El sábado 4, se llevó a cabo el encuentro sobre cine con la participación de Claudia Llosa y Patricia Ferreira, en el Caixaforum. En la Casa Museo Lope de Vega, encuentro de literatura con la participación de Santiago Roncagliolo y Marta del Riego. Cerrando con broche de oro, en la Casa Museo Lope de Vega dos poetas peruanos, Jessica Zorogastua –ganadora del Premio de Poesía Paul Beckett–y Martín Rodríguez, y dos poetas españolas, Almudena Guzmán y Amalia Bautista, declamaron poemas de Vallejo en un sentido y concurrido homenaje a este.

LOS PERSONAJES DE “LETRA” OPINAN

Beltrán Gambier: el director artístico de LETRA

Beltrán Gambier, quien dirige desde hace 16 años la revista “Intramuros”, especializada en temas culturales y autobiografías, es director artístico de “Letra” y combina su profesión de abogado con un intenso protagonismo en la vida cultural en distintos países de habla hispana, afirma que la tercera edición de “Letra” superó todas las expectativas que se tenían previstas en cuanto a público, sostuvo que, en el acto inaugural, se quedaron 100 personas fuera sin poder ingresar a la Sala del Ateneo. En cuanto a este acto, sostuvo: “El diálogo entre Vargas Llosa y Szyszlo fue el hecho más importante y singular. El público se quedó encantado con estas dos grandes figuras de la cultura universal conversando en plan íntimo”. Manifestó también que el resto de las actividades contó con una buena cantidad de público. Sobre todo, el recital de poesía en homenaje a César Vallejo en la Casa Museo Lope de Vega: “Sufrimos un colapso. Otra vez quedó mucha gente fuera pese a que se habilitó el jardín de la casa con sillas como no se había visto nunca”.

Gambier se mostró feliz de haber contribuido a este gran homenaje a la cultura peruana y haber participado activamente en la decisión de elegir a Perú como país invitado al evento. Manifestó que el conjunto de los encuentros marcaron un altísimo nivel y la gente pudo apreciarlo. En cuanto a la promoción y difusión cultural de Perú en relación a España, sostuvo que España lleva cierta ventaja en la promoción cultural con los países de Latinoamérica incluido el Perú por la fortaleza de sus industrias más no por el nivel de creación.

Sobre la creación del ministerio de Cultura en el Perú, manifestó que hay una polémica sobre la necesidad o no de contar con ministerios de cultura. Dijo, enfáticamente: “Soy ferviente partidario de que existan. En cuanto a la figura de Juan Ossio no paro de escuchar comentarios laudatorios por su designación. Lo celebro”.

Yolanda Vaccaro: invitada de honor en la mesa redonda de periodismo literario

Yolanda Vaccaro, corresponsal del diario el Comercio desde 1992, especializada en temas políticos y culturales y participante de la mesa redonda sobe periodismo literario que se llevó a cabo en “Letra”, sostuvo que Perú fue el país invitado en el encuentro de este año gracias a la iniciativa de Beltrán Gambier: “Perú fue el país invitado en Letra este año gracias, en primer lugar, a la iniciativa de Beltrán Gambier, una persona culta y conocedora de la cultura que existe en nuestro país. Gracias a su iniciativa Perú se lució estos días en España”.
Manifestó que el evento que tuvo más acogida fue el acto inaugural a cargo de Mario Vargas Llosa y Fernando de Syszlo: “Definitivamente el plato estrella fue la charla inaugural ofrecida por Mario Vargas Llosa y Fernando de Szyszlo. A este acto asistieron centenares de personas, muchas se quedaron fuera por falta de espacio”. Otro evento que resaltó por su relevancia y asistencia fue el recital en homenaje a César Vallejo, acerca de ello, sostuvo: “Asistió un número desbordante de personas al acto de clausura, un recital poético en homenaje a César Vallejo; la sala se quedó pequeña en la Casa Museo Lope de Vega y decenas de personas oyeron el recital desde los jardines. Este último hecho sí llamó la atención positivamente porque todos sabemos que la poesía no es precisamente lo más comercial que hay. Fue un éxito”.

En cuanto a su participación en la mesa redonda sobre periodismo literario, sostuvo: “Hablamos sobre la difusión de temas culturales españoles en Perú y Latinoamérica y viceversa. En este aspecto coincidimos en que se informa mucho más en Latinoamérica sobre lo que acontece en España que en España sobre lo que ocurre en Latinoamérica. Prueba de ello es que la mayor parte de medios de comunicación latinoamericanos relevantes cuenta con corresponsales en España (como El Comercio) mientras que los medios españoles suelen tener corresponsales en Latinoamérica únicamente en México, Argentina y Cuba -en este último caso por motivos particulares que todos conocemos-. También hablamos sobre periodismo cultural e independencia frente a intereses comerciales; comentamos la difícil tarea que tienen medios de comunicación y periodistas para poder ejercer un trabajo verdaderamente independiente de las fuentes de financiación. Todos sabemos que el poder político y económico en la medida en que ejercen de anunciantes pueden querer interferir”.

Sobre la promoción y difusión cultural de Perú en relación a España, sostuvo que a Perú le hace falta crear una marca cultural como la tienen México, España o Colombia así como también potenciar el trabajo de los creadores peruanos que viven en Perú y en el extranjero y formar espacios para que puedan dar a conocer sus creaciones. Se mostró apenada porque “Letra” tuvo ínfima difusión en el Perú, a diferencia de lo que ocurrió en España: “En esta ocasión no hubo la repercusión que se esperaba en Perú”.

En cuanto a la reciente creación del ministerio de cultura en Perú, manifestó que está en contra de aumentar el tamaño del Estado tanto en Perú como el cualquier otro país del mundo. Dijo que lo que se tendría que haber hecho es potenciar y optimizar el Instituto nacional de cultura y los otros entes culturales existentes en el país. Sobre el nuevo ministro de cultura, afirmó: “El señor Ossio es un profesional de primera que merece todos mis respetos”. Por último, dijo que le parece muy pronto para juzgar esta decisión del Estado: “De todas maneras es pronto para juzgar; hay que ver qué hace el nuevo ministerio y, si su labor es digna de elogio, todos la elogiaremos”.

El teatro universitario

En el presente texto, estableceré relaciones entre los textos de dos sociólogos bastante agudos: “La presentación de la persona en la vida cotidiana” (cap. 1 y 3) de Erving Goffman y “Estudios sobre las formas de socialización” De George Simmel”, en el marco de una experiencia que muchos hemos pasado, estamos a punto de pasar o quizá no queramos pasar nunca: el primer día de clases en la universidad.

Es raro o, en todo caso, poco usual, que nos sentemos a reflexionar de algo que, a estas alturas, nos debe resultar bastante evidente y presente per se: la comunicación. ¿Cómo hablamos? ¿De qué hablamos? ¿Por qué hablamos? ¿Con quién y en dónde hablamos? El punto en común entres los textos de los sociólogos que he mencionado líneas arriba, es justamente esto: la importancia de la comunicación en la vida social. Tema que me resulta bastante interesante y que creo sumamente digno y extenso para una buena reflexión y, dicho sea de paso, una buena conversación.

El primer día de clases en la universidad (que es también el primer día en la vida universitaria), me parece un escenario sumamente idóneo para analizar a raíz del tema que he planteado. Precisamente yo no elegí una facultad de ingeniería, de medicina, de arquitectura o de física, me matriculé orgullosamente en una Facultad de “Comunicaciones”. Por tanto, me tomaré ciertas licencias y libertades para hablar de la “Comunicación” en la vida social.

Hace unas semanas leía a Kundera en “La insoportable levedad del ser”, y decía casi al inicio del libro: “El hombre lo vive todo a la primera y sin preparación. Como si un actor representara su obra sin ningún tipo de ensayo”. No entraré en discusiones filosóficas acerca del tema, lo que me interesa ahora es sostener que tanto Kundera como Goffman, conciben la vida como una obra teatral. Sólo que Goffman cree que ensayamos constantemente para ello y Kundera cree todo lo contario. Goffman sostiene, en pocas palabras, que todos somos actores y que siempre estamos frente a un auditorio o público.

En el primer día de clases de la universidad sucede que, naturalmente, todos queremos mostrar “nuestra mejor cara” (o quizá “máscara”, como diría Goffman), tanto con los nuevos compañeros de clase (que con suerte se convertirán en nuestros “amigos”) y con los profesores. Nos encontramos frente a un nuevo público ante el que nunca antes en nuestras vidas habíamos presentado algún acto dramático. Por suerte, no nos encontramos del todo perdidos o desorientados ya que la definición de la situación en la que nos encontraremos está más o menos clara: estamos en un centro de estudios, hay ciertas reglas que hay que cumplir, no estamos en una fiesta o reunión cualquiera. Aquí entra a tallar lo que entiende Goffman por “Fachada”: “Sería conveniente dar el nombre de fachada a la parte de la actuación del individuo que funciona regularmente de un modo general y prefijado, a fin de definir la situación con respecto a aquellos que observan dicha actuación. La fachada, entonces, es la dotación expresiva de tipo corriente empleada intencional o inconscientemente por el individuo durante su actuación”.

Dentro de la fachada, según Goffman, se encuentra el medio, las apariencias y los modales. Entones, en el escenario que he propuesto, el medio serían los salones de clase y los ambientes universitarios. En cuanto a las apariencias y los modales, éstas constituyen la manera de vestir, de hablar, la actitud, el peinado, las palabras utilizadas, etc. Consciente o inconscientemente damos toda esta “información” a nuestro auditorio; porque no sólo basta con haber escogido cuidadosamente desde el día anterior la ropa que nos pondremos ese primer día (si queremos parecer formales, o hippies o raperos o intelectuales o rockeros), también de por sí, “emanamos” lo que somos con nuestra comunicación oral, corporal y gestual. A menudo, damos más información de la que queremos o de la que somos conscientes.

En este punto, quiero comentar acerca del tema del “Adorno”, que plantea Simmel. En mi opinión, el “adorno” estaría dentro de lo que Goffman llama “La fachada”, y más específicamente en el tema de las apariencias. En palabras de Goffman: “El adorno acentúa o amplía la impresión que produce la personalidad; obra como una irradiación de la personalidad”. Naturalmente, siempre queremos agradar a los que nos rodean, y más aún, cuando nos encontramos en un escenario tan trascendental como el primer día en la universidad. Todo puede ser un adorno: aretes, chalinas, tatuajes, carteras, lentes rojos, ipods, audífonos gigantes, billeteras de tal o cual marca, cigarros, zapatillas, etc. Depende cómo los escoja el individuo según la impresión que quiera causar o según el papel que está represando. Este caso, podría ser “una estudiante fashion”, “un estudiante intelectual”, “un estudiante hippie”, “una estudiante geek”, etc. Estos adornos serán ayudas que permitirán que se acentúe la personalidad que queremos demostrar. Por tanto, cumplen tanto una función estética, como una función social. El adorno además, aporta un “estilo” al individuo en distintos escenarios.

Lo interesante del escenario en el que nos encontramos es que, no somos los únicos que tenemos que hacer el esfuerzo desesperado y cauteloso de que nuestra actuación sea “creíble” y de que nuestra apariencia y nuestros modales no se contradigan mutuamente. Afortunadamente, todos los compañeros de clases y hasta los profesores, se encuentran en la misma situación que nosotros. Ahora, el caso de los profesores me parece curioso. Están parados en frente de cuarenta alumnos (además bastante más jóvenes que ellos, en la mayoría de los casos, recién salidos de colegio). Tienen un auditorio difícil para el que deben esforzarse en todo momento por hacerse respetar y dar la “impresión” de la imagen que quieren proyectar. Algunos profesores quieren dar la impresión de extremadamente estrictos, otros de amigos de los estudiantes, otros de relajados y buena gente, etc. Estas ideas o proyecciones tendrán resultado satisfactorio en los estudiantes en cuanto dichas actuaciones sean lo suficientemente creíbles, no importa cuán “ciertas” o “no ciertas” sean, simplemente deben ser creíbles. Como dice Goffman: “Si una actuación ha de tener efecto, será bueno que los testigos puedan creer en todo sentido que los actuantes son sinceros. Los actuantes pueden ser sinceros o no serlo pero estar sinceramente convencidos de su propia sinceridad, pero este tipo de sentimiento respecto del rol no es necesario para que la actuación sea convincente”. Un profesor puede ser “no tan serio” como quiere aparentar serlo, pero si logra aparentarlo a través de su actuación, será “tan serio”, para sus estudiantes. Esto no constituye una mentira ni una ficción, simplemente es la vida y la manera cómo nos relacionamos en sociedades y en grupos de individuos.

Pero, ¿Acaso siempre nos mostramos “tal y como somos” en todos nuestros aspectos? ¿Acaso actuamos igual en todas las ocasiones y con todas las persona? ¿Acaso no guardamos algo de reserva sólo para nosotros mismos y nuestra vida íntima? La verdad es que ni siquiera nosotros mismos nos conocemos tal y como pensamos. Resulta pertinente para mi narración, en este punto, hablar de lo que Goffman llama “región anterior”, y “región posterior”, de la conducta. Goffman entiende por región anterior a la parte nuestra que mostramos en determinada actuación y auditorio y, región posterior como los elementos de nuestra personalidad que suprimimos en ciertos escenarios porque podrían entrar en contradicción con la región anterior en ciertos contextos. Sobre la región posterior Goffman también sostiene: “La región posterior constituirá, naturalmente, el lugar en el cual el actuante puede confiar en que ningún miembro del auditorio se entrometa”. Indudablemente, en el escenario que he propuesto para analizar, tanto profesores como alumnos se esforzarán en demasía para que su región anterior se vea muy bien y esconder inteligente y eficazmente su región posterior.

Ahora, estás regiones de la conducta no son fijas en todos los escenarios y para todos los públicos. Como dice Goffman: “Aún cuando existe la tendencia de identificar una región como la anterior o posterior de una actuación con la cual está generalmente asociada, existen muchas regiones que funcionan, en un determinado momento y en un cierto sentido, como región anterior, y, en otro momento y en otro sentido, como región posterior”. Por ejemplo, el profesor A que enseña Ética y ciudadanía a alumnos de primer ciclo, que además es abogado y trabaja para un prestigioso bufete, seguramente querrá mostrarse serio, severo y exigente con sus estudiantes. Sin embargo, los fines de semana, el profesor A, que es amante de la salsa cubana, baila con sus mejores amigos en un reconocido salsódromo. Entones, en el escenario universitario (y quizá en su otro trabajo), el profesor A deberá de ocultar su afición ardiente por la salsa porque quizá esto lo pueda hacer ver menos serio o “muy alegre” para lo que tiene que (o quiere) aparentar; por tanto, este gusto formará parte en, este escenario, de la región posterior. Pero, en el escenario del salsódromo con sus mejores amigos, esto será parte de su región anterior y quizá “lo serio y severo”, formará parte de su región posterior. Pero bueno, no sólo el profesor A tendrá que ajustar muy bien sus regiones de la conducta. Todos los estudiantes, lucharán por mantener alejados a los demás, lo más que se pueda de su región posterior; de la región que no quieren (y no pueden, porque entraría en contradicción con la región anterior), en ese escenario. Así, el estudiante C, que se muestran muy rudo, vestido de negro y lleno de tatuajes, deberá de ocultar que todos los fines de semana acompaña a su novia a un asilo de ancianos. Esta actividad formará definitivamente, parte de su región posterior para que su actuación pueda ser creíble.

Luego de unas horas en este agitado primer día en la vida universitaria, seguramente todos los involucrados en el escenario saben “algo” acerca de las personas que los están rodeando, en palabras de Simmel, ocurre lo que se llama “Acción recíproca”. En este punto se generan las relaciones sociales (ya sea mediante conversaciones, miradas, etc.). Para Simmel: “Todas las relaciones de los hombres entre sí, descansan, naturalmente, en que saben algo unos de otros”. Entonces, conforman pasan las horas de este día, conformen pasan los días y las semanas en este primer ciclo universitario, se van desarrollando amistades y conocimientos mutuos. Pero este saber, supone al mismo tiempo cierta “ignorancia” de lo que es y lo que no es el otro: nunca podemos saber “todo del otro”, esto además, resulta saludable para mantener una buena relación social. Para Simmel una relación social se determina por cuánto uno “sabe” del otro. En la vida universitaria (más específicamente en el primer ciclo), no es difícil establecer fuertes lazos de amistad, ya que se comparte mucho tiempo con los compañeros de clase y se vive juntos la experiencia de enfrentarse casi a “una nueva vida”. Lo que se sabe del otro no vendría a ser “mucho”, pero tampoco es escaso para el escenario en el que nos encontramos. El secreto, tan como lo plantea Simmel, vendría a ser un parte importante en dichas relaciones y, sobre todo, una parte importante en la estructura de la acción recíproca, ya que permite que los individuos nos guardemos ciertos aspectos para nuestra intimidad y no nos veamos obligados a hacerlos públicos, o digamos, sólo hacerlos públicos a las personas que queremos o que tenemos más “confianza”. Para Simmel, el secreto: “Constituye una de las más importantes conquistas de la humanidad”.

Ahora, algo que sucede cuando entramos en la vida universitaria es que se amplían nuestros “círculos sociales” y en general, se amplían nuestras amistades y se incrementa nuestra vida social. Ya no sólo tenemos “los amigos del barrio”, “los amigos del colegio”, “la familia”, ahora tenemos también “los amigos de la universidad”. Lo que sucede a menudo es que dichos grupos sociales a los que pertenecemos y con los que nos llevamos bien no son compatibles en lo más mínimo. Es más, si realizamos una fiesta de cumpleaños nos resultaría una tarea titánica poder invitarlos a todos y que el evento resulte agradable. Entramos en una especie de dualismo, en palabras de Simmel: “El pertenecer a varios círculos sociales provoca, en efecto, conflictos de orden externo e interno, que amenazan al individuo con un dualismo espiritual, y hasta con íntimos desgarrones. Pero ello no prueba que esta pertenencia a varios círculos deje de tener efectos que fortalezcan y afirmen la unidad personal. Cuánto más variados sean los círculos de intereses que en nosotros confluyen, más conciencia tendremos de la unidad del yo”. Entonces, a pesar de los inconvenientes que nos puedan traer la incompatibilidad entre nuestros círculos sociales, el mismo hecho de pertenecer a determinados círculos, afirma nuestra individualidad diferenciada y nuestro “yo”, porque sólo “nosotros”, pertenecemos a tal número y tales círculos sociales. Lo cual, nos diferencia enormemente del resto.

Entones, en el acontecimiento del inicio de nuestra vida universitaria, ocurren un sin número de acontecimientos sociológicos (y de importancia sociológica), algunos de los cuales me he permitido analizar en el presente texto. La verdad es que en sí, la vida universitaria misma constituye un acontecimiento sociológico que valdría la pena analizar en profundidad. Ahora me quedó corto el espacio.

DH

Noche 2

Como si nada y como si todo, esa noche fútil se convirtió en un laberinto delicioso de efusiones y desencuentros. Estabas ahí, estábamos ahí, parados uno frente al otro encima de esas escaleras rojizas y no trapeadas desde hace mucho, que había en la casa.

Esa noche yo no quería verte, no quería ver a nadie porque me sentía el escritor más imbécil y el más frustrado de todos. Esa noche yo quería beber vino hasta que se mezcle con mi sangre y tal vez escuchar algunas canciones suaves. Esa noche quería amarte, pero sólo, en mis pensamientos: sólo en mi imaginación.

Viniste y como siempre yo pensaba en ella, en Clarisse. Y Tú Lena, a ti no te importaba nada de eso. Tú seguías ahí, acariciándome el cerebro y haciéndome tartas de colores. Yo te amaba, pero más que el propio cariño que sentía por ti, me sentía obligado a amarte. Y esa obligación ostentosa y arremolinada era uno de los móviles más inocuos de mi vida.

Me miraste y me hiciste una seña de “hombre, vamos a caminar por la plaza”. Yo ya había adquirido la útil capacidad de leer tus pensamientos y tus miradas, desde hace mucho. Tú no lo sabías, lo sé: mejor que no lo supieras. Salimos a caminar y te tomé de la mano para que no estuvieras triste. La calle vacía sonaba a celeste oscuro y los gatos callejeros actuaban en el teatro de las avenidas.

Seguimos caminando rumbo al café Palace , que era uno de tus favoritos desde que eras una niña. En el camino, yo no sé cómo (y hasta ahora no logro comprenderlo del todo), te armaste de valor, armaduras y demás artículos guerrilleros mentales, y me dijiste: “Fer, yo ya no aguanto más este frío de Madrid y yo ya no aguanto más tener que escuchar tus voces interiores llamando a Clarisse. Nos mudamos los tres y punto”. Me quedé colgado, absorto. Las palabras y las ideas se atascaron espantosamente en algún rincón de mi razón.

A la semana siguiente, ya estábamos instalados en un cómodo y pequeño departamento en Madrid, a unas pocas cuadras de la plaza principal: Lena, Clarisse y yo. Yo no llamé a Clarisse, la que la llamó fue Lena. La invitó a tomar un café y le dio un papel arrugado con la dirección del nuevo departamento y le dijo “Aquí nos mudamos en cinco días, te vamos a estar esperando”.

Lo peor de todo es que tengo la suspicaz sospecha de que a pesar de todo lo que te hice, no te he perdido para siempre. No te he perdido en lo absoluto. Seguirás ahí y yo nunca encontraré la forma de sacarte y tu nunca encontrarás la forma de salir Estamos pegados querida. Pegados con aceite de corteza de árbol mágico. Es una cosa muy extraña.

DH

Entre lo establecido y lo no aceptado: Contracorriente

No podría decir que Contracorriente, película peruana dirigida por Javier Fuentes-León, trata solamente de un amor homosexual, gay, ni muchos menos. Esta ópera prima, del director antes mencionado, trata, más bien, de un hombre pescador llamado Miguel Salas (Christian Mercado), que está casado y pronto a ser padre del hijo que le dará Mariela (Tatiana Astengo), su esposa. Pero, Miguel, se ve envuelto en un profundo dilema psicológico, y, sobre todo, moral, ya que sostiene, desde hace un tiempo, un romance secreto con un pintor y fotógrafo llamado Santiago La Rosa (Manolo Cardona). El drama se hace más complicado debido a que la película tiene lugar en un pueblo muy religioso de Cabo Blanco (Perú), que tiene una sociedad sumamente machista y que rechaza la “homosexualidad” (o lo que entiende por ella) categóricamente. Miguel está atrapado en el qué dirán y no quiere arruinar su imagen de “hombre modelo” del pueblo. Él no quiere ser un “maricón”. Miguel quiere (y quizás ama) a Mariela, su esposa, pero, también quiere a Santiago, aunque no sea capaz de aceptarlo.

Fuentes- León, empieza contando la historia con un primer plano al vientre hinchado de Mariela (que está pronta a da a luz), y el rostro de Miguel besándole el vientre y, luego, besándola a ella. Esta escena es algo así como la cuña del filme. Luego, el director se apoya en planos generales bien logrados para mostrar el contexto y la belleza del lugar: muestra planos generales de la playa, del mar, de los pescadores, y algunos lugares del pueblo. A pesar de la cantidad de planos generales utilizados, la película cuenta con mayor cantidad de planos enteros, medios, americanos, conjuntos y primeros planos. Esto quizá, por el carácter emotivo- psicológico del filme, que hace que se requieran planos en donde se muestre los gestos, sensaciones, actitud, de los personajes. Aunque, sin perder de vista, el bellísimo contexto en el que se rueda la película (por eso la considerable cantidad de planos enteros utilizados). Debido al tomo sensible de la película, el director usa colores cálidos para contar la historia.

El director, aborda el tema de la película de una manera bastante delicada, sensible y emotiva. No aborda la trama desde una perspectiva puramente homosexual o presentando la película como un triángulo amoroso (como muchos podrían fácilmente catalogar). La aborda, tomando como núcleo la aceptación de sí mismo, en medio de los convencionalismos y normas de una sociedad muy machista, de Miguel, que lucha por aceptar (interna y externamente) que ama un hombre, aunque ello, lo ponga en una posición homosexual. La historia no es contada desde la perspectiva particular de ninguno de los personajes, más bien, como una sucesión de hechos que les van ocurriendo a todos los personajes a lo largo del filme.

A lo largo de la trama, Fuentes- León, explora y muestra emotivamente la psicología de los personajes. Al comienzo del filme, se van presentando los personajes en diálogos en grupo y situaciones cotidianas que suceden en el pueblo, en el mar y en las casas de los personajes. La historia da un giro cuando Santiago es arrastrado aparentemente por la marea, golpeado por una roca y muerto. Aquí la historia se hace más intensa y toma un tono de algo que podemos llamar “realismo mágico” o “realismo maravilloso” (ya que muestra un hecho irreal o extraño como algo cotidiano y común) cuando Santiago (que está muerto) se le aparece a Miguel como una persona normal (de carne y hueso), puede besarlo, abrazarlo y Miguel es el único que lo puede ver en el pueblo. En esta parte de la historia, Miguel se va dando cuenta que realmente ama a Santiago y que su relación con él no es puramente sexual, y luchará hasta al final por poder aceptarlo sin importar que la gente lo mire mal o, incluso, que pueda perder a su familia.

Quiero destacar tres momentos de la historia que me parecen interesantes. Casi al comienzo de la película, hay una secuencia de escenas que muestran una especie de “procesión” que se hace, a un familiar del pueblo, que había muerto, y luego, una ceremonia a este. El director comienza contando esta parte de la trama de la película, con un plano conjunto, en el que aparecen los familiares y amigos del pueblo, llevando en hombros al muerto. Alternando con el plano conjunto, se muestran primeros planos de los rostros de las personas que llevan el cuerpo y de las que están asistiendo a la ceremonia, lo que permite ver sus sentidas expresiones. Luego, la trama se abre en un plano general con ángulo picado de cámara, que permite apreciar la cantidad de gente que estaba asistiendo a la ceremonia de despedida a dicho familiar, así como el bello paisaje del lugar al atardecer. Posteriormente, cuando Miguel, encargado de presidir la ceremonia y dar el último adiós al familiar fallecido, se encuentra parado en el muelle hablando, el director utiliza un plano medio con un ángulo horizontal de cámara, lo que permite apreciar la actitud y gestos de Miguel, en ese momento emotivo, ya que dicho plano privilegia a los personajes, antes que al contexto.

Otro momento de la historia, se da cuando Miguel y Santiago se encuentran en la playa y tienen una fuerte pelea. La escena comienza con un plano entero, donde aparecen los dos personajes de pie, hablando, y, al fondo, se observa la playa y el mar. Conforma la conversación se va alterando, se hacen primeros planos a los rostros, para ver los gestos muy expresivos de los personajes. Luego, Miguel tumba al suelo a Santiago, y se comienza a revolcar en la arena, peleado; esto ocurre en un plano entero (se intercala con planos medios), con un encuadre aberrante (el horizonte está movido, la cámara se mueve bastante), dando esa sensación de inestabilidad visual a la escena, que representa, sin duda, la inestabilidad emocional por la que atraviesan los personajes en ese momento de la trama. Posteriormente, en primeros planos y ángulos de cámara picado (incluso cenital) y contrapicado, se muestran los rostros de los personajes en los momentos de la pelea que uno está encima del otro, mirando al otro (y viceversa). La escena (una de las más emotivas del filme, a mi parecer), culmina con un “¿Por qué no puedes aceptar que me quieres?”, de Santiago, lágrimas y un abrazo intenso, tumbados en la arena, en planos medios y primeros planos con un encuadre de cámara horizontal.

En los últimos momentos de la película, Miguel le confiesa a Mariela que tuvo un romance con Santiago. La escena comienza con un plano detalle al plato de comida que está comiendo Miguel sentado en la mesa. Luego, la escena se abre a un plano medio con un encuadre horizontal de cámara que muestra a los dos personajes comiendo, sentados en la mesa, uno frente al otro. Posteriormente, se hacen primeros planos a los rostros de los personajes, cuando van teniendo la conversación en la que Miguel acabará por confesarle la verdad a su esposa. A continuación, se levantan de la mesa y continúan conversando parados, frente a la mesa, Mariela está llorando profundamente. Esto ocurre en planos medios y primeros planos en donde se enfocan los rostros de los personajes (de una manera bastante efectiva), en un momento tan dramático como este. Se notan las lágrimas y el sufrimiento incontenible de Mariela, gracias a los primeros planos. La iluminación en esta escena es escasa, lo que le da ese toque algo sombrío, vacío y triste que representa el sentir de los personajes.

En mi opinión, Contracorriente es una buena película. Si bien es cierto, no explota al máximo las posibilidades o recursos audiovisuales y, por momentos, se excede ligeramente en dramatismo, el protagonismo (bien ganado) de la película, lo tiene el magnífico guión, las actuaciones y la musicalización. Contracorriente tiene una historia que te logra atrapar de principio a fin, que te toca, que te hace sentir. Las actuaciones son bastante creíbles y acorde con el guión y con las intenciones y objetivos de la película. Los paisajes del lugar en donde fue filmada y en el que se desarrolla toda la historia, le aportan ese carácter “cálido” y “especial” al filme. El director utiliza con inteligencia los diferentes planos, ángulos y movimientos de cámara. Obtiene planos muy bien logrados que trasmiten lo que se quiere transmitir en cada escena y en cada parte del filme. Contracorriente es una de esas películas cálidas pero dramáticas a la vez. Una de esas películas en las que te puedes deleitar viendo algunas tomas que son bastante artísticas, una de esas películas que te sorprenden y con las que te logras involucrar. Una excelente propuesta en la cartelera, en medio del bombardeo despiadado de películas huecas hollywoodenses. No en vano, ha ganado tantos premios. El cine peruano está en ascenso, y eso es algo que hay que aplaudir y, sobre todo, apoyar.

DH